Ad Astran parafraasi
Ad Astra soi soittimessani puolentoista tunnin junamatkan aikana aika monta kertaa ja sai minut innostumaan musiikillisesti niin kerta kaikkiaan. Löysin siitä musiikillisia viittauksia jatkuvasti enemmän, niin etten matkan aikana ehtinyt juuri pitkästyä pohtiessani mokoman kappaleen takia.
Näppärän kuuloisessa turskahevikappaleessa soi barokkiajan tyyppisoitin, cembalo, puolivälin tienoissa. Se on pianon tapainen härveli, joka näppäilee kieliä eikä lyö niitä. Cembalo improvisoi ja sello soittaa melodiaa tai oikeastaan soinnun säveliä. Sattumoisin cembalo ja sello (tai sellon isoisä viola da gamba) rakensivat vielä barokkiajalla useimpien soitinkokoonpanojen sointupohjan. Kokoonpanoa kutsuttiin nimellä basso continuo, ja sen käytölle ja merkintätavalle oli omat rikkomattomat käytäntönsä.
Ad astra on latinaa ja tarkoittaa ”tähtiin”. Wikipediasta saadaan lisäselvennystä fraasista. Kappale pyrkii nousemaan kaikessa, yksinkertaisin, jopa alkukantaisin keinoin, tähtiin.
Melodia koostuu kahdesta motiivista: peräkkäin soitetuista hitaista murtosoinnuista ja nopeammin soitetuista kvinteistä. Hitaan osuuden aikana melodia nousee vähitellen, mutta nopeassa osuudessa palaudutaan takaisin alas. Kvintitkin soitetaan tosin alhaalta ylös. Soinnut ovat yksinkertaisia kolmisointuja, jotka koostuvat tersseistä ja kvinteistä. Jos ajatellaan kvintit riisutuiksi murtosoinnuiksi, melodia koostuu peräkkäin yhä uudelleen soitetuista, nousevista soinnuista.
Motiivi: musiikillinen toistuva aihe.
Murtosointu: sointu, jonka sävelet soitetaan peräkkäin, ei päällekkäin.
Kolmisointu: kolmesta sävelestä koostuva perussointu, jonka sävelet ovat priimi (asteikon ensimmäinen sävel), terssi (kolmas sävel) ja kvintti (viides sävel).
Aiheen siirto sävelkorkeudesta toiseen on barokille tyypillinen musiikillinen keino, jota sanotaan sekvenssiksi. Fuugassa sävellystyyppinä on kyse nimenomaan lomittain pakatuista sekvensseistä.
Teeman toistuessa soittimet lisääntyvät. Tapahtuu sellaista, mitä keskiajan sävellystaiteessa sanottiin nousuksi myös, ei sävelkorkeudessa vaan äänen voimakkuudessa ja soitinten lisääntymisessä. Soittimiin otetaan sellaisiakin, mitä ei ollut olemassa vanhassa musiikissa: saksofoni heittää parastakin jatsia siellä heti cembalosoolon päätyttyä!
Improvisointi tekee yksinkertaisesta melodiasta varsin toisen kuuloisen. Satunnaiset äänet sekoittavat rytmisen ja melodisen säännöllisyyden, samoin improvisointi. Epäsäännöllisyys ei tee jokaisesta sähköisestä toistokerrasta samanlaista, mutta kylläkin musiikista ennakoimatonta samaan tapaan kuin alkuperäiskansoilla. Ennakoimattomuus on samanistisessa musiikissa olennaista, koska vaikka musiikin tuottaja haluaa tähtiin musiikkinsa avulla, hän ei halua sinne seurakseen ketään muuta – esimerkiksi pahoja henkiä.
Niin kuin useimmat tietävät, sävelasteikossa on kahdeksan säveltä, jotka toistuvat peräkkäin yhä uudelleen teoriassa rajattomasti. Käytännössä jos haluaa nousta yhä uudelleen, pitää kiertää, tulla yläkautta takaisin alas. Päädytäänkö kappaleen päättyessä sitten tähtiin? Vai ollaanko jälleen siellä, mistä lähdettiin? Non est ad astra mollis e terris via?
Toinen, ei yhtä metafyysinen kysymys on: Mikä oikeus Arcturuksella on käyttää vuosisatojen musiikillista tietämystä tähdeksinousuun mitähäh? Vai käyttääkö se lainkaan ja kaikki on oman kuumeisen aivoni houretta, kuten Shakespeare Jylhän kautta ilmaisi?
Tuskin: lainaan sanoituksia tässä. Laulajan sanat kertovat, että tähtiinnousu oli todellakin musiikinkin tarkoitus. Ne eivät kuitenkaan pyri sinne suosion tai kuolemattomuuden takia, vaan etsivät vastausta henkilökohtaiseen kysymykseen jostain lausumattomasta olemassaolon tuskasta. Ne ovat kuin suoraan Kalevalan sangareiden (vanhaa skandinaviaa: ‘laulajien’) suusta.
I have everywhere sought,
and nowhere found
So I lift the bleedin’ bodkin
And trust the grief deepest in
The gleaming bodies of the infinite skies
Have for my spirit
The cold charm
Of death’s welcoming eyes
In secret to my soul
They are ideals of old














